Intian maanosa on tuottanut lukuisia kansainvälisesti tunnettuja taiteilijoita, joista monet etsivät miljoonia huutokaupassa maailmanlaajuisesti. Jotkut menestyneimmistä ja innovatiivisimmista taiteilijoista Intiasta ovat naisia, ja heidän monipuoliset käytänteensä tutkivat monenlaisia aiheita identiteetistä ja muistista politiikkaan, historiaan ja nykykulttuuriin. Tuomme sinulle kymmenen kuuluisinta intialaista nykytaiteilijaa.
Shilpa Gupta
Tutkimalla erilaisia teemoja kuluttajakulttuurista haluan, turvallisuuteen, uskontoon, kansallisuuteen ja ihmisoikeuksiin, Shilpa Guptan poikkitieteellisissä käytännöissä hyödynnetään interaktiivista video-, valokuvaus-, installaatio- ja performanssitaidetta, luottaen usein yleisön osallistumiseen. Hänen videoprojisointisarjansa Varjo (1, 2 ja 3), joka toimii kuin interaktiivinen videopeli, sisältää katsojien simuloidut varjot, jotka on otettu live-kameralla. Varjot heijastetaan valkoiselle näytölle ja ovat vuorovaikutuksessa muiden varjojen kanssa, joita esineet, nukkeja, taloja, lintuja ja muita hahmoja luo tanssia, hyppäämällä ja kävelemällä. Gupta on yksi intialaisten taiteilijoiden nuorten sukupolvien joukosta, joiden teokset vastaavat maan postkoloniaalisiin yhteiskunnallisiin jakoihin. Hän hämärtää, piirtää uudelleen ja poistaa geopoliittisia rajoja, kuten esimerkiksi 100: ssa Intian käsin piirtämässä kartassa (2007-2008), joka koostuu katsojien muistoista käsin piirtämissä karttoissa tai hänen nimettömänä teoksenaan, joka kuvaa keltaista poliisia nauha lippu lukee: "Täällä ei ole rajaa."
Bharti Kher
Kiinnitetyt, valmiit bindit - perinteinen intialainen otsakoriste - ovat keskeisiä Bharti Kherin käytännössä, ja kutsuvat ambivalenttisia merkityksiä, värähtelevät perinteiden ja nykyaikaisuuden välillä. Kher menestyy luomalla taidetta, joka kuvaa väärää tulkintaa, väärinkäsityksiä, ristiriitoja, moninaisuutta ja ristiriitoja, tutkimalla ihmisen draamaa ja nykypäivää. Bindi esiintyy maalauksissaan ja veistoksellisissa installaatioissaan, haastaen naisten roolia perinteisessä maassa ja viittaavan sen perinteiseen henkiseen merkitykseen 'kolmannella silmällä'. Hänen ennätyksellinen The Skin puhuu kieltä, joka ei ole omaa (2006) kuvaa kuolleen tai kuolevan lasikuitun norsun, joka on peitetty kiiltävällä bindillä. Hänen työnsä liittyy edelleen allelegorisiin tarinoihin, fantastisiin olentoihin, maagisiin pedoihin ja mystisiin hirviöihin, kuten muissa eläinperäisissä kappaleissa, kuten väärinkäytöksissä. Määrättävän syyn puuttuminen (2007) on taiteilijan mielikuvitukseen perustuva sinisen valaan sydämen kokoinen kopio, joka korostaa romanttista ajatusta "suuresta sydämestä" ja salaisuuksia, jotka sitovat sydämen rakkauden käsitteisiin, elämä ja kuolema.
Bharti Kher - Määrättävää syytä ei ole © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Zarina Hashmi, jonka ensisijaisena välineenä on ensisijainen väline ja jolla on minimaalinen assosiaatiosanakirja, luo abstrakteja teoksia, jotka vastaavat hänen elämänkokemuksiaan maanpaossa ja omaisuuden menettämisessä sekä kodin käsitettä - olipa kyse sitten henkilökohtaisesta, maantieteellisestä, kansallisesta, henkisestä tai perheellisestä. Hänen mietiskelevä, runollinen teos sisältää puupiirroksia, kaiverruksia, piirroksia ja paperimassasta tehtyjä valetta. Hänen käsintehty ja kalligrafinen linjansa muodostavat yhdistävän elementin hänen sävellyksissään. Kieli on taiteilijan kannalta keskeinen. Letters from Home (2004) esittelee sarjan tulosteita, jotka perustuvat Pakistanissa asuvan siskonsa Ranin kirjeisiin. Tate-videohaastattelussa Zarina kertoi, kuinka kirjeiden vastaanottaminen auttoi häntä säilyttämään identiteettitietonsa. Käsinkirjoitettu urdu on päällystetty etäisten kotejen ja paikkojen karttoihin ja piirustuksiin, joissa on varjo merkittäviä hetkiä ja vaikutelmia hänen perheensä elämään liittyvistä paikoista.
Nalini Malani
Ylitetyn rajan käsite on Nalini Malani -harjoituksen ydin, joka perustuu kirjallisuudesta, mytologiasta, historiasta ja henkilökohtaisesta elämästä luodakseen taidetta, jolla on merkitystä kulttuurien välillä. Piirustuksista maalauksiin, projisoituihin animaatioihin, varjopelaamiseen, videoihin ja elokuviin taiteilija rinnastaa perinteet modernistisilla elementeillä vastaamaan nykyajan yhteiskuntaan liittyviä kiireellisiä kysymyksiä. Hänen perheeseensä vaikutti vuoden 1947 osio - teema, joka on mielenkiintoinen malanille, kuten videosta, joka on inspiroitu Sadat Hasan Manton saman tarinan novellista, on muistettava Toba Tek Singh (1998). Malani käyttää Bishen Singhin kuoleman symboliikkaa - psyykkinen potilas, joka kieltäytyessään muuttamasta Intiaan partition aikana, kuolee kenenkään maalla kahden rajan välillä. Sitten Malani tutkii partition vaikutuksia ihmisten elämään ja laajentaa tämän tutkimuksensa Rajasthanin Pokhranin ydinkokeen vaikutuksiin. Malani kiinnostaa Cassandraa hänen uskossaan, että jokaisella meistä on oivalluksia ja vaistoja. Hänen 2014 näyttelynsä nimeltä Cassandra's Gift Vadehran taidegalleriassa keskittyi mahdollisuuteen, että ihmiskunta ennakoi tulevaisuuden tapahtumia ja todella "kuuntelee" heidän ympärillään tapahtuvaa.
Rina Banerjee
Aineen, kankaan ja tekstuurin rakkaus yhdessä kokemuksen kanssa asumisesta kulttuurien / rotujen sekalaisissa paikoissa sijaitsevissa yhteisöissä ovat Rina Banerjeen runollisten multimediateosten perusta. Hän määrittelee työnsä tutkimuksen "erityisistä siirtomaa-hetkeistä, jotka keksivät paikan ja identiteetin uudelleen monimutkaisina diasporisina kokemuksina, jotka ovat kietoutuneet ja joskus surrealistisia". Banerjee luo värikkäitä kokoelmia tekstiilejä, muotituotteita, siirtomaa-esineitä, huonekaluja, taksidermiaa ja orgaanisia materiaaleja, jotka ovat peräisin New Yorkin roskariikkeistä ja muokattu uudelleen esineiksi, joille on annettu uusi merkitys. Epätavallisia materiaaleja ovat taksidermioidut alligaattorit, puiset vauvansängyt, kalaluut, strutsi-munat, höyhenet ja antiikkikalusteet. Vaikka hänen teostensa hybridiys heijastaa hänen kosmopoliittista taustaa, hänen luomansa visuaalinen kieli juurtuu mytologiaan ja satuihin. Ota minut, ota minut… Rakkauden palatsiin (2003) on installaatio, joka näytettiin Musée Guimetissa Pariisissa vuonna 2011. Artikkelessaan keskustelua alkuperästään ja länsimaisesta orientalistisesta näkymästä itään, se koostui vaaleanpunaisesta muovipaviljonkista, joka oli tehty Taj Mahal herättää näkymän Intiaan ruususävytettyjen lasien avulla, jotka ovat ominaisia Ison-Britannian siirtomaa-läsnäololle Intiassa - "eksoottisten" materiaalien keskuskokoonpanolla.
Dayanita Singh
Dayanita Singh luo valokuvausvälineellä uteliaita jokapäiväisen elämän kertomuksia, ja antaa visuaalisen ilmeen maisemaan, joka vastaa taiteilijan mielikuvitusta todelliseen maailmaan. Hänen mustavalkoiset valokuvansa ovat esillä installaatiossa nimeltä Museum, samoin kuin hänen suosikkivälineessään: kirjassa. Paperi on erityisen tärkeä Singhille. Taiteilija kuvaa kaikkia, ylemmästä luokasta yhteiskunnan reunaan, antaen laajakuvan nykyajan Intiasta. Mona Ahmed on toistuva hahmo työssään; Heidän ensimmäisestä kohtaamisestaan lähtien vuonna 1989 London Times -komissiossa - vanhassa Delhi-hautausmaalla asuva eunukki, hänen perheensä ja eunuch-yhteisön hylätty kaksinkertainen syrjäytyminen. Singhin Mona-kuvaus on etsiminen henkilöistä, joilla on hajanainen identiteetti ja puutteellisuus kuuluvuuteen, mikä on kirja Myself Mona Ahmed -kirjassa. Singhin rakkaustalo hämärtää linjan valokuvakirjan ja kirjallisen fiktion välillä. Kuvissa on runoja ja prooseja, jotka kertovat yhdeksästä novellista. Kannettavat museot, kuten File Museum (2013) tai Chance of Museum (2014), ovat suuria puurakenteita, jotka voidaan järjestää eri kokoonpanoihin, ja niissä on 70–140 valokuvaa. Tämä "valokuvaarkkitehtuuri", kuten Singh kutsuu, antaa hänelle mahdollisuuden näyttää, muokata ja arkistoida kuvia loputtomasti.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat yhdistää usein useamman kuin yhden median yhdeksi teokseksi. Kallatin elämäntapa liittyy luonnon loputtomiin jaksoihin ja ihmisen tilan haurauteen heijastaen jatkuvia muutoksia syntymän, kuoleman ja uudestisyntymisen välillä; rakentaminen ja romahtaminen, tappio ja ylösnousemus. Hän työskentelee usein virallisesti rekisteröidyillä tai rekisteröidyillä nimillä - ihmisistä, esineistä tai muistomerkeistä, jotka ovat kadonneet tai kadonneet ilman jälkeä. Hänen käytännössä toistuva motiivi on kumileima, valvonnan ja byrokraattisten laitteiden symboli - 'kasvoton tila', joka hämärtää ja vahvistaa identiteettejä. Kallat on käyttänyt kumileimasimia vuodesta 2003, sijoittaen teoksiaan ironisesti. Falling Fables -tapahtumassa hän käytti leimoja puuttuvien muistomerkkien osoitteilla, joita suojattiin Intian arkeologisessa tutkimuksessa, luomalla arkkitehtonisten raunioiden muotoja, kiinnittäen huomiota nykyisen Intiassa ja muualla maailmassa tapahtuvan romahtamisen ja murtuman tilaan. Vuonna 2013 hän loi nimettömän (Cobweb / Crossings), hämähäkinverkon, Mumbaiin Bhau Daji Lad -museon julkisivulle. Hänen teoksessaan oli yksi tonni kumileimasimia, joissa oli museon ympärillä olevien kadun entiset nimet ja korostettu kadonneita historiaa. Kallat on aikaisemmin käyttänyt web-aiheita kiinnittääkseen huomiota muuttoliikkeisiin ja niitä hallitseviin. Kohdassa ”Untitled (Kartta / Piirustus)” monimutkainen maailmankartta, joka on tehty sähköjohdoilla ja varusteilla, jäljittää työntekijöiden usein piilotetut muuttotiet.
[K] Reena Saini Kallat - Nimetön (2008) - Yksityiskohta © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
Valokuvien ja veistoksellisten installaatioiden avulla Hema Upadhyay sitoutuu käsitteisiin henkilöllisyydestä, kuulumisesta, dislokaatiosta, nostalgiasta ja sukupuolesta miettien Mumbain nykyaikaista tilaa - metropoli, jonka monikulttuurisuus on seurausta muuttoliikkeistä. Toistuvasti omaelämäkerrallinen teos sisältää kuvia itsestään, ikään kuin hän etsisi omaa paikkaa kaupungissa, mihin hänet pakotettiin muuttamaan perheensä kanssa Partition aikana. Ensimmäisessä yksityisnäyttelyssään, Sweet Sweat Memories (2001), hän esitteli teoksia, jotka puhuivat vieraantumisen ja menetyksen tunneista. Sarjassa oli pienoiskuvia itsestään, jotka oli liitetty maalauksiin, jotka kuvasivat Mumbain ilma- ja subaltern-näkökulmia ylivoimaiseksi uudeksi kaupungiksi.
Sheela Gowda
Sisältää veistoksia, installaatiotaidetta ja valokuvia, jotka esittelevät Intian kaupunki- ja maaseutuympäristöä, Sheela Gowda luo teoksia arjen materiaaleilla, mukaan lukien löydettyjä ja kierrätettyjä esineitä ja materiaaleja, kuten lehmänlantaa, punaista kumkumia (kurkuma), suitsukkeita, ihmisen hiuksia, kultalehtiä, seremoniallisia väriaineita., ja kotimaiset materiaalit, kuten kookoskuidut, neulat, langat ja naru. Gowdan toiminta perustuu suuresti sen prosessiin, joka hämärtää taiteen ja käsityön välisiä rajoja ja asettaa kyseenalaiseksi naisten subjektiivisuuden roolin uskonnon, nationalismin ja väkivallan yhteydessä, joka muodostaa nykyajan Intian. Ja Tell Him of My Pain (2001) käytti yli 100 metriä käärittyä lankaa, joka oli värjätty punaisella kumkumilla, ripustettuna ja verrattu avaruuden yli kolmiulotteiseksi piirrokseksi. Teos viittasi Intian maustekulttuuriin ja tekstiiliteollisuuteen - perinteisesti osana naisen elämää kokemusta - korostaakseen naisten kotielämän kipua patriarkaalisessa yhteiskunnassa.
